J.O. Paris 2024 : the place to be

Après avoir travaillé en histoire des arts sur les poteries grecques antiques d'Olympie, les élèves de sixième ont réalisé un travail photographique autour des Jeux Olympiques de Paris 2024.

Certaines céramiques prestigieuses étaient destinées aux champions comme coupe de la victoire, mais pour la majorité d'entre elles, il s'agissait d'objets souvenirs destinés aux spectateurs.

Elles représentaient des athlètes anonymes en action, selon les canons de beauté de l'époque, avec une description du mouvement bien reconnaissable pour signifier le sport concerné. 

On inscrivait ensuite le nom du vainqueur sur l'objet aussitôt après l'épreuve, mais il était aussi possible de faire écrire le nom du champion dont on était supporter.

Peintre de Cléomélos (inscription :  "Cléomélos est beau". Coupe à figures rouges. Vers 510 – 500 av. J.-C., Athènes H: 7,80 cm; D: 19,80 cm; L: 27 cm. Musée du Louvre.

Ces objets étaient un marqueur de sa présence à l'évènement et avaient une valeur symbolique très forte. Mais le "merchandising", avec sa cohorte de slogans et d'effigies étaient déjà un pendant économique des plus importants des jeux sportifs antiques.

Le travail photographique des élèves consiste à se représenter en tant qu'athlète, spectateur ou personnel sportif, dans un mouvement qui le rendrait reconnaissable, afin de pouvoir ensuite être inséré sur l'affiche officielle des Jeux 2024, comme participant à cette manifestation exceptionnelle.

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La BD s'en va en guerre

Contre l'oubli des guerres, génocides et barbaries.

Pour connaitre l'histoire et appréhender le devoir de mémoire.

Pour comprendre le monde d'aujourd'hui.

Les élèves de 3emeA ont étudié les évènements décrits dans des bandes dessinées qui racontent l'Histoire, et ont créé des planches alternatives ou supplémentaires, cohérentes avec leurs recherches documentaires.

Un projet interdisciplinaire qui les a fortement impressionnés et qu'ils ont pu partager avec une petite exposition de leurs travaux et leur mise en page dans un livre numérique.

 

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Techniques de reproduction d'une image : la mise au carreau (appelé aussi carroyage)

Pour reproduire un dessin facilement, il suffit de savoir jouer à la bataille navale ! (car c'est le même principe de repérage).

L'objectif est de placer les éléments au bon endroit et de manière proportionnelle aux autres éléments. Cela sous entend qu'il s'agit d'une étape préparatoire, d'un dessin sous le dessin, et qu'il faudra ensuite vraiment dessiner.

On trace un quadrillage sur l'image d'origine, on reproduit le même quadrillage sur sa feuille de dessin, à la même échelle (si on veut garder les mêmes dimensions) ou à une échelle plus grande ou plus petite (si on veut agrandir ou diminuer).

On observe ensuite l'image à reproduire carreau par carreau et on dessine carreau par carreau ce que l'on voit. On peut numéroter ses carreaux (lettres et / ou nombres) pour s'y retrouver plus facilement.

Ensuite, à partir de ce placement précis des différents éléments de l'image, on reprend le dessin de manière globale pour lui apporter de la cohérence, de la sensibilité, de l'expressivité.

Petit truc : Ne pas oublier la Règle n° 3 : on dessine de l'intérieur vers l'extérieur...

Comme toujours, on commence donc par le centre du motif.  Si c'est un visage : on commence par l'entre sourcil. Si c'est un personnage en pied, on commence par son nombril...

Si c'est un quadrillage, on trace d'abord les lignes centrales, horizontales et verticales.

On respecte bien la forme carrée des carreaux (si on dessine des rectangles, tout sera déformé) en faisant bien attention à conserver des angles droits et des côtés aux mesures bien identiques.

Cette technique est beaucoup utilisée en peinture murale pour adapter le projet papier à la taille des monuments.

Dessin préparatoire pour "l'annonciation", Le Corrège, 1524. Plume et encre brune avec rehauts de blanc sur papier à fond rose, avec mise au carreau à la sanguine. 9,4 cm x17,4 cm. Galerie nationale de Parme.

Annonciation, Le Corrège, 1526. Fresque (transposée sur toile) . 157 cm x315 cm. Galerie nationale de Parme.

En archéologie, on trouve des traces de cette technique depuis l'antiquité égyptienne qui permettait de reproduire images et textes à grande échelle sur les murs des temples.

Dessin préparatoire sur papyrus avec carreaux

Dessin préparatoire avec carreaux sur ostracon (pluriel : "ostraca" : morceaux de céramiques cassés qui servaient de support pour les dessins ou écrits qui n'étaient pas destinés à être conservés)

Dessin préparatoire sur maçonnerie avec quadrillage de mise au carreau (scène du rituel de l’Ouverture de la Bouche. LAMS/MAFTO CNRS)

Un regard sur l'oeuvre de Banksy : "Show me the Monet", 2005

L'analyse d'une oeuvre d'art peut s'effectuer selon différentes problématiques.

En comprendre la structure, le contexte de réalisation et d'exposition, permet de la situer dans son aire culturel et d'en déduire une première interprétation argumentée.

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Vues de l'exposition "Crude oils" . Cliquer sur le lien ci-dessous pour en savoir plus sur l'exposition évènement et sur la série de tableaux, dont est issu "Show me the Monet"

https://banksyexplained.com/crude-oils-london-2005/

"Rage, the Flower thrower" de Banksy, 2003, Jérusalem

(Cliquer pour naviguer sur ce site "Banksy explained" et sur la multitude publiée sur internet pour en connaitre plus sur Banksy et ses oeuvres. Attention, beaucoup de sites sont des sites marchands, dont il faut vérifier les informations)

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Mais pour proposer une signification plus profonde de l'oeuvre, il est nécessaire de la comparer avec d'autres oeuvres, selon différentes entrées (les thèmes abordés, l'oeuvre de l'artiste, le courant artistique, les domaines artistiques, la technique...etc...) mais également selon différents types d'arts (musique, littérature, danse, théâtre, cinéma, ...etc...) afin de croiser différences et ressemblances, et d'en tirer un questionnement cohérent, qui va au delà de l'apparence et du regard non circonstancié.

Cliquer ici pour voir le document : "Le caddie dans l'art"

C'est un désastre! Mais finalement, l'abstrait, c'est très beau...

A partir de quel moment, formes, lignes et couleurs deviennent elles figurative? Comment des éléments plastiques passent ils, dans l'oeil du spectateur et du créateur, de taches de peinture, à figures nommables?

C'est l'expérience à laquelle se sont amusés les élèves de cinquième en détruisant leur image figurative initiale jusqu'à ce que l'oeuvre modèle ne soit plus qu'une vague référence, affranchie de la fidélité mimétique à sa réalité visuelle.

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Ils ont ainsi pu appréhender la déconstruction comme moyen technique et plastique, tout comme Kandinsky, qui ose la première aquarelle abstraite, après avoir vu un de ses tableaux à l'envers, incapable d'y voir un sujet précis, dans une période où sa peinture était encore figurative avec des silhouettes identifiables, mais qui évoluent dans un univers de taches colorées.

Vassily Kandinsky. Improvisation V - parc. 1911. Huile sur toile. MNAM, Paris

Vassily Kandinsky. Sans titre. 1913 (antidatée 1910) Aquarelle sur papier. MNAM, Paris
Première oeuvre abstraite de l'histoire de l'art 

Le sens se cache dans les détails

Comment donner du sens à une image, faire en sorte que le spectateur comprenne bien ce que l'ont veut dire ou raconter?

Afin de mieux appréhender cette question, les élèves de 5eme ont transformé certains détails d'oeuvres d'art de référence, afin de pouvoir constater l'écart de sens qui se crée entre leur image et celle de l'oeuvre originale.

Ils ont ainsi pu comprendre comment l'iconographie est un véritable langage, constitué d'éléments plastiques fondamentaux empreints de signification, dès lors qu'ils sont agencés dans une image.

Leur est alors apparu l'importance capitale des détails, qu'il est nécessaire de déchiffrer, en tant que spectateur, pour la compréhension d'une oeuvre, notamment dans leur travail en histoire des arts.

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